8 декабря отмечается Международный день художника. RT собрал самые знаменитые и дорогие произведения искусства, созданные в XX веке. Многие из них не встречают понимания у публики, но уходят на аукционах за огромные деньги. Таким, к примеру, стало полотно «Калифорния» Ива Кляйна. Оно представляет собой закрашенный синей краской холст размером 2 × 4 м, а ушло за €18,4 млн.
По словам экспертов, чаще всего столько стоят знаковые для истории искусства произведения: сумму формируют известность художника и востребованность на рынке, поэтому определить объективную цену произведений современного искусства невозможно.Ив Кляйн «Калифорния» (IKB 71)
Одно из самых дорогих полотен, созданных в XX веке — «Калифорния» (IKB 71) французского художника Ива Кляйна. Картина (1961) размером два на четыре метра выполнена краской синего оттенка International Klein Blue (IKB 71), запатентованной Кляйном в 1960 году.
В ноябре 2025 года Парижский аукционный дом Christie's продал картину за €18,4 млн, цена стала рекордной для художника. На стоимость повлияло то, что Кляйн был одним из наиболее заметных новаторов послевоенного европейского искусства. Его подход к материалу и цвету изменил язык современной живописи, объяснила в беседе с RT искусствовед, программный директор ярмарки современного искусства «Арт Россия» Лариса Удовиченко.
«Для Кляйна синий цвет был гораздо больше, чем просто оттенок — художник отмечал, что синий является метафизическим переходом к безграничности, находится за пределами измерений, в то время как другие цвета — нет.
Полотно отражает ключевой момент в жизни художника — открытие арт-сцены Калифорнии, новый виток его карьеры. Но «Калифорния» (IKB 71) — это не только географическая привязка, это место, где море, небо и свет сливаются в единое целое», — отметила Удовиченко.
В свою очередь арт-продюсер, автор блога «Почему это Шедевр?» Ева Габулова напомнила в беседе с RT, что Кляйн был известен перформансами, которые стали феноменом не только для изобразительного искусства, но и для философии.
«Кляйн — человек, который продавал пустоту, превращая в искусство сам жест и идею. Вся его жизнь становится искусством, и любая работа, исходящая от такого человека, с трудом может быть названа профанацией. Это всегда провокация, но не пустой хайп, а радикальное художественное высказывание, неотделимое от его фигуры», — подчеркнула Габулова.
Дэмьен Хёрст «Физическая невозможность смерти в сознании живущего»
Не менее известна инсталляция британского художника Дэмьена Хёрста «Физическая невозможность смерти в сознании живущего». Это труп тигровой акулы, погружённый в формальдегид в стеклянном контейнере. Арт-объект был создан в 1991-м как первая работа из серии «Естественная история». В том же году «Физическая невозможность» была продана за £50 тыс. В 2005 году работу перекупил инвестор Стив Коэн, заплатив за неё около $12 млн.
На самом деле акула была не одна. Из-за неправильного хранения состояние первой хищницы со временем начало ухудшаться. Художнику пришлось заменить старую акулу на новую, более дорогую и крупную.
«Акула в контейнере не движется, не пугает напрямую. Это символ, который отсылает не к реальной угрозе, а к идее страха и красоты одновременно», — пояснила Габулова, добавив, что речь идёт о постмодернистском произведении искусства.
Феликс Гонсалес-Торрес — «Без названия (Америка №3)»
В 1990 году американский художник Феликс Гонсалес-Торрес создал серию световых инсталляций. Так, работа «Без названия (Америка № 3)» представляет собой гирлянду лампочек, которую можно каждый раз повесить по-новому. В 2024 году «Без названия (Америка № 3)» ушла с аукциона Christie’s за $13,6 млн.
«Феликс Гонсалес-Торрес — художник, чья практика полна философских и социально-культурных тем. Автор работает с культурологическими, социальными и экономическими вопросами, включая тему перепроизводства, а также распределения ролей между наблюдателем и наблюдаемым. Он как бы показывает, кто наблюдает за самими наблюдателями. Всё это он делает невербальным языком, демонстрируя сложные идеи через инсталляцию», — рассказала Габулова.
Высокая стоимость его работ — результат рыночного феномена, когда любая вещь, вышедшая из-под рук признанного мастера, автоматически возводится на пьедестал. Это «болезнь» современного арт-рынка: гиперболизация значимости имени художника относительно содержания работы.
«Это похоже на историю с премиальными брендами, когда лейбл раскручен настолько, что почти любое изделие становится безумно дорогим только из-за логотипа. Люди платят не за сущностную составляющую работы, а за ауру имени», — отметила Габулова.
Энди Уорхол «Смерть и катастрофы»
Серия «Смерть и катастрофы» художника Энди Уорхола мало напоминает растиражированные работы автора в жанре поп-арта. При этом произведения из цикла «Смерть и катастрофы» очень высоко ценятся коллекционерами, искусствоведами и критиками. Работу над этой серией художник завершил в 1963 году. В основе каждого произведения — вырезки из газет, на которых запечатлены места катастроф или преступлений. Одна из таких работ — «Серебряная автокатастрофа» включает изображения последствий автомобильной аварии. В 2013 году произведение было продано за $105,4 млн. А в 2022 году другая работа из этой серии («Белая автокатастрофа») ушла с аукциона Sotheby's за $85,4 млн. На картине представлены 19 повторяющихся чёрно-белых фотографий автомобиля после аварии.
По словам Евы Габуловой, смысл работы строится вокруг серийности и повторяемости — как и более известные широкой аудитории поп-арт работы с изображением Мэрилин Монро — актрисы с трагической судьбой.
«Смерть тоже серийна и повторяема. Уорхол показывает цикл бытия: каждый, кто рождается, в конце концов умрёт. Множество столкновений, переживаний смерти, умираний, множественность переходов в другой мир — всё это растиражировано им на холсте», — отметила эксперт.
Джефф Кунс «Кролик»
В 2019 году на аукционе Christie's скульптура Джеффа Кунса «Кролик» (1984) была продана за $91,1 млн. Работа выглядит невесомой, хотя отлита из стали, поверхность которой затем тщательно отполировали. Высокая цена скульптуры объясняется не только уникальностью объекта, но и статусом самого создателя: Кунс считается одним из самых успешных американских художников.
Как объяснила в беседе с RT искусствовед, основатель экосистемы «Артократия» Марина Альвитр, «Кролик» Кунса — знаковое произведение, которое обозначило серьёзный поворот в истории искусства. Когда Кунс делал своего «Кролика», главенствующим направлением был минимализм — закрытое, интеллектуальное течение. Минимализм предлагает убрать всё лишнее и обратиться к структуре произведения искусства, чтобы создать скульптуры, которые «работают» с пространством через геометрические формы и отражения. Минималисты предлагали проникать в суть вещей и явлений. А Кунс взял за основу садового зайчика — своеобразный пример китча, низовой культуры, которой чужды интеллектуальные усилия, но создал на этой базе минималистическую работу.
«Кунс соединяет низовой, китчевый вкус с высокими минималистическими формами. Объединяет то, что, казалось бы, нельзя объединять, и за счёт этого становится интересен», — подчеркнула Альвитр.
Жан-Мишель Баския Untitled, El Gran Espectaculo (The Nile)
Жан-Мишель Баския, скончавшийся в возрасте 27 лет в 1988 году, — один из самых дорогих и востребованных художников современности. Его работы регулярно устанавливают рекорды на мировых аукционах. Так, в 2017 году на Sotheby’s была продана картина Untitled 1982 года за рекордные $110,5 млн.
В 1983-м Баския создал полотно El Gran Espectaculo (The Nile) размером 172,5 см на 358 см. Картина ушла с аукциона в 2023 году за $67,1 млн.
Большинство из его самых дорогих работ относятся к первой половине 80-х — ключевому периоду в творчестве Баския, когда он окончательно сформировал свой узнаваемый стиль, объединяющий граффити, примитивизм и экспрессионизм. Высокие цены на работы художника объясняются не только уникальностью холстов, но и признанным статусом Баския в мире искусства.
По словам Габуловой, Баскии повезло, что его заметил Энди Уорхол. Художник начинал как автор уличных граффити, и именно Уорхол вывел его в профессиональное арт-сообщество. При этом важную роль сыграл и исторический контекст.
«В США на тот момент ещё оставалась острой тема расовой сегрегации, которая постепенно выходила в публичное обсуждение. Баския — чёрный художник, работающий в эстетике наивной живописи и примитивизма, со своим визуальным языком, самообученный, в логике правополушарного рисования и чистого потока», — отметила Габулова.
Маурицио Каттелан «Комедиант»
В 2019 году на выставке Art Basel Miami Beach итальянский художник Маурицио Каттелан представил провокационную работу под названием «Комедиант». Это был обычный банан, приклеенный к стене с помощью серебристого скотча. В ноябре 2024 года одна из версий «Комедианта» была выставлена на аукционе Sotheby's в Нью-Йорке. Итоговая сумма сделки составила $6,2 млн, покупатель получил не только банан, но и свидетельство подлинности, а также право воспроизводить объект — приклеить новый банан.
По словам Марины Альвитр, работа Каттелана «Комедиант» — одно из самых противоречивых произведений современного искусства, вызывающее споры даже среди профессионалов.
«Даже плохое произведение искусства может очень многое нам рассказать о мире и о нашей жизни. «Комедиант» показывает, что важна не материальность объекта, а идея, сертификат и внимание к художнику. Искусство перестаёт быть вопросом обладания физическим объектом — это история про личный бренд и концепт», — отметила эксперт.
Искусствовед также подчеркнула, что Каттелан лишает произведение искусства традиционной материальности: физический объект существует лишь номинально — банан можно менять, мультиплицировать, он живёт «здесь и сейчас». Альвитр сравнивает концепт с популярными NFT, где ценность также переносится с физического объекта на алгоритм идеи и внимание коллекционеров.
Трейси Эмин «Моя кровать»
В 1998 году британская художница Трейси Эмин переживала тяжёлое расставание. После длительного периода апатии она впервые встала с кровати и огляделась вокруг. Её взору предстала комната, заваленная смятыми простынями, пустыми бутылками, окурками и другим мусором.
Личные переживания стали основой для инсталляции «Моя кровать». Впервые её показали публике в 1999 году на выставке премии Тёрнера, и работа сразу вызвала бурную реакцию: одни видели в этом хаос, другие — автопортрет художницы и крик души.
В 2014 году работа была продана на аукционе Christie’s за $4,3 млн, закрепив за Эмин репутацию одной из самых провокационных фигур британского современного искусства.
По словам Ларисы Удовиченко, «Моя кровать» демонстрирует ценность обычных предметов, помещённых в нужный контекст. Инсталляция позволяет увидеть значимость того, что многие могут посчитать обыденным и несерьёзным — предметы не обязательно должны быть уникальными, редкими или дорогими, чтобы нести смысл.
«Именно это прямолинейное использование предметов, через которые воспроизводится хроника конкретного момента жизни, делает инсталляцию поразительной», — отметила эксперт.
Почему так дорого?
Ценообразование в современном искусстве остаётся одной из самых спорных и обсуждаемых тем. На первый взгляд кажется, что стоимость работы должна зависеть от материалов, размера или сложности исполнения, но на деле не всё так просто.
Как объяснила в беседе с RT искусствовед, бывший руководитель ГИММ им. А.С. Пушкина Елизавета Лихачёва, сочетание субъективного и социального факторов делает современный рынок искусства уникальным и непредсказуемым.
«На желание покупателя может влиять мода, личное пристрастие, желание соответствовать трендам или войти в определённый круг. Объективной причины, почему Баския стоит миллионы, а не меньше, не существует», — отметила эксперт.
Лихачёва пояснила, что цена формируется известностью художника, востребованностью на рынке, личными предпочтениями покупателей и, в некоторых случаях, влиянием кураторов. Даже материалы, из которых создано произведение, играют второстепенную роль. Поэтому попытки строго определить «объективную цену» современного искусства обречены на неудачу.
Свежие комментарии